10 reguli de aur pe care toți oamenii creativi ar trebui să le învețe

Celebrul designer newyorkez Milton Glaser a împărtășit ceea ce trebuie să învețe toate talentele creative.
1. Lucrați numai cu oamenii care vă plac.
****
Mi-a luat mult timp să formulez această regulă pentru mine. Când am început, credeam dimpotrivă, că profesionalismul este capacitatea de a lucra cu orice client. Dar de-a lungul anilor, a devenit clar că cel mai semnificativ și mai bun design a fost inventat pentru acei clienți care au devenit ulterior prietenii mei. Se pare că simpatia este mult mai importantă decât profesionalismul în munca noastră.
2. Dacă ai de ales, nu accepta jobul.
****
Am auzit odată un interviu cu minunatul compozitor și filosof John Cage. Avea atunci 75 de ani. Prezentatorul a întrebat: „Cum să te pregătești pentru bătrânețe?” Îmi amintesc întotdeauna răspunsul lui Cage: „Am un sfat. Nu mergi niciodată la muncă. Dacă mergi la birou în fiecare zi de-a lungul vieții, într-o zi vei fi dat afară și trimis la pensie. Și atunci cu siguranță nu vei fi pregătit pentru bătrânețe - te va lua prin surprindere. Uită-te la mine. De la 12 ani, fac același lucru în fiecare zi: mă trezesc și mă gândesc cum să câștig o bucată de pâine. Viața nu s-a schimbat de când am devenit bătrân.”
3. Evita persoanele neplacute.
****
Aceasta este o continuare a primei reguli. În anii 60 a existat un terapeut Gestalt pe nume Fritz Perls. El a sugerat că, în toate relațiile, oamenii fie se otrăvesc unii pe alții, fie se alimentează reciproc. Mai mult, totul depinde nu de persoană, ci de relație. Știi, există o modalitate ușoară de a verifica cum te afectează comunicarea cu cineva. Petreceți ceva timp cu această persoană, luați cina, mergeți la plimbare sau luați un pahar împreună. Și fiți atenți la cum vă veți simți după această întâlnire - inspirați sau obosiți. Și totul va deveni clar. Utilizați întotdeauna acest test.
4. Experiența nu este suficientă.
****
Am spus deja că în tinerețe eram obsedat de profesionalism. De fapt, experiența este o altă limitare. Dacă aveți nevoie de un chirurg, cel mai probabil veți merge la cineva care a făcut această procedură de mai multe ori. Nu ai nevoie de un bărbat care intenționează să inventeze Metoda noua folosiți un bisturiu. Nu, nu, fără experimente, te rog să faci totul așa cum ai făcut-o întotdeauna și așa cum a fost făcut înaintea ta. În munca noastră, este invers - cel care nu se repetă și alții este bun. Un bun designer dorește să folosească un bisturiu într-un mod nou de fiecare dată sau chiar decide să folosească un udato de grădină în loc de un bisturiu.
5. Mai puțin nu este întotdeauna mai bine.
****
Cu toții am auzit expresia „mai puțin este mai mult”. Acest lucru nu este în întregime adevărat. Într-o bună dimineață m-am trezit și mi-am dat seama că asta era cel mai probabil o prostie completă. Poate suna bine, dar în domeniul nostru acest paradox nu are sens. Amintiți-vă de covoarele persane, „mai puțin” ar fi mai bine în cazul lor? Același lucru se poate spune despre lucrările lui Gaudi, stilul art nouveau și multe altele. Prin urmare, mi-am formulat o nouă regulă: este mai bine când există exact cât ai nevoie.
6. Stilul de viață schimbă modul în care gândești.
****
Creierul este cel mai sensibil organ din corpul nostru. Este cel mai susceptibil la schimbare și regenerare. În urmă cu câțiva ani, în ziare, a apărut o poveste interesantă despre căutarea unui pitch absolut. După cum știți, este rar chiar și printre muzicieni. Nu știu cum, dar oamenii de știință au descoperit că oamenii cu pitch absolut au o structură diferită a creierului - unii lobi sunt cumva deformați. Acest lucru este deja interesant. Dar apoi au aflat un lucru și mai interesant - dacă copiii de 4-5 ani sunt învățați să cânte la vioară, există șansa ca structura cortexului cerebral să înceapă să se schimbe la unii dintre ei și să se dezvolte înălțimea absolută. . Sunt sigur că desenul afectează creierul nu mai puțin decât redarea muzicii. Dar în loc să auzim, dezvoltăm atenția. O persoană care atrage atenție la ceea ce se întâmplă în jurul său - și acest lucru nu este atât de simplu pe cât pare.
7. Îndoiala este mai bună decât certitudinea.
****
Toată lumea vorbește despre cât de important este să ai încredere în ceea ce faci. Profesorul meu de yoga a spus odată: „Dacă crezi că ai atins iluminarea, ți-ai atins doar limita.” Acest lucru este adevărat nu numai în practica spirituală, ci și în muncă. Pentru mine, toate pozițiile ideologice formate sunt îndoielnice, pentru că perfecțiunea este o dezvoltare nesfârșită. Devin nervos când cineva crede categoric ceva. Trebuie să punem la îndoială totul. Pentru designeri, această problemă apare chiar și în școala de artă, unde ni se învață teoria avangardei și faptul că un individ poate schimba lumea. Într-un fel, acest lucru este adevărat, dar de cele mai multe ori se termină cu mari probleme cu stima de sine creativă. Cooperarea comercială cu cineva este întotdeauna un compromis și nu trebuie rezistat niciodată. Ar trebui să permiteți întotdeauna posibilitatea ca adversarul să aibă dreptate. Acum câțiva ani am citit cea mai bună definiție a iubirii a lui Iris Murdoch: „dragostea este conștientizarea extrem de complexă că altcineva decât noi înșine este real”. Acest lucru este genial și descrie absolut orice coexistență a doi oameni.
8. Nu contează.
****
Într-un an, de ziua mea, am primit cartea lui Roger Rosenblatt, Aging Gracefully. Nu mi-a plăcut titlul, dar conținutul m-a interesat. Prima regulă propusă de autor s-a dovedit a fi cea mai bună. Sună așa: „nu contează”. Indiferent ce credeți, urmați această regulă și vă va adăuga zeci de ani vieții. Nu contează dacă întârzii sau la timp, dacă ești aici sau acolo, dacă ai tăcut sau ai spus, dacă ești deștept sau prost. Nu contează ce coafură ai sau cum te privesc prietenii. Vei fi promovat la serviciu, vei cumpăra o casă nouă, vei primi Premiul Nobel- nimic din toate astea nu contează. Aceasta este înțelepciunea!
9. Nu ai încredere în stiluri.
****
Stilul este un concept irelevant. Este o prostie să te dai oricărui stil pentru că niciunul dintre ei nu te merită pe deplin. Pentru designerii de școală veche, aceasta a fost întotdeauna o problemă, deoarece de-a lungul anilor se dezvoltă scrisul de mână și vocabularul vizual. Dar moda stilului este mediată de indicatori economici, adică aproape ca matematica - nu poți să te cert cu ea. Marx a scris despre asta. Prin urmare, la fiecare zece ani paradigma stilistică se schimbă, iar lucrurile încep să arate diferit. Același lucru se întâmplă cu fonturile și grafica. Dacă intenționați să rămâneți în profesie mai mult de un deceniu, vă recomand cu căldură să fiți pregătit pentru această schimbare.
10. Spune adevărul.
****
Uneori cred că designul nu este cel mai bun loc pentru a căuta adevărul. Desigur, în comunitatea noastră există o anumită etică, care, se pare, chiar este scrisă undeva. Dar nu există niciun cuvânt în el despre relația designerului cu societatea. Se spune că în urmă cu 50 de ani, tot ce se vinde cu eticheta „vițel” era de fapt pui. De atunci m-a chinuit întrebarea, ce se vindea ca pui pe atunci? Designerii au la fel de multă responsabilitate ca și măcelarii. Prin urmare, trebuie să fie atenți la ceea ce vând oamenilor sub masca de vițel. Medicii au jurământul de a „nu face rău”. Cred că și designerii ar trebui să aibă propriul jurământ - „Spune adevărul”.
Milton Glaser este unul dintre cei mai faimoși designeri din Statele Unite, un artist care a creat un număr imens de capodopere de design grafic, inclusiv faimosul logo I NY. Pe lângă practică, Glaser, în vârstă de 80 de ani, este implicat și în teorie: dă prelegeri la universități, scrie eseuri și discuții teoretice despre legătura dintre design și artă și influența acestora unul asupra celuilalt, despre profesia de design și complexitățile proces creativ.

Adesea, motivul unei renovări nereușite este o simplă neînțelegere: clientul cere un lucru, designerul aude altceva - iar acum proiectul se dovedește a fi complet diferit de ceea ce ne-am dori. Să vorbești cu un specialist în aceeași limbă nu este atât de dificil; tot ce trebuie să faci este să te pregătești cu atenție și să urmezi reguli simple. Designerul vă va spune exact care dintre ele.

Anastasia Orlova a absolvit școala de design ArtFuture cu o diplomă în Designer de interior. În prezent este studentă la Facultatea de Arhitectură la una dintre cele mai vechi universități din lume - La Sapienza din Roma. Acum continuă să se angajeze în cabinete private în Rusia, conducând proiecte de la distanță și cu ajutorul unei echipe de oameni care au aceleași idei. Funcționează atât la interioare private ale apartamentelor, cabanelor, cât și proiectelor de restaurante și hoteluri.

Să presupunem că am găsit pe cineva pe care să-l contactez și am aranjat o întâlnire. La ce trebuie să te gândești în avans? Trebuie să veniți cu dorințe clare sau cu un fel de viziune generală, sau aceasta se formează încă în procesul de comunicare cu designerul?

Va fi util să începi să „visezi” dinainte, purtând în cap gândul la o viitoare casă, derulând imagini de pe Internet și salvându-le, notându-le sau trimițându-ți mesaje cu gânduri referitoare la funcționalitatea necesară. Astfel, examinându-ți obiceiurile zilnice, vei observa nuanțele și, împreună cu designerul, vei putea personaliza mai precis viitoarea ta locuință. Este foarte important în stadiul de vis să priviți și să salvați imaginile. Acestea nu sunt întotdeauna imagini clare din seria „Vreau ca așa” - s-ar putea să vă placă un anumit element din ele, sau o schemă de culori sau o soluție funcțională - tot ceea ce rezonează cu tine într-un fel. De ce contează asta? Pe lângă faptul că acest lucru îl va ajuta pe designer să-ți înțeleagă preferințele stilistice, este la fel de important ca în procesul de luare a exemplelor să apară o evoluție calitativă preferințele gustative. Și ceea ce la început ți se pare teribil de original, după un timp este perceput ca stricat și lipsit de gust. Deci, este mai bine să lăsați această creștere să se întâmple prin exemple pe Internet și înainte de a vă crea propriul interior.

Dacă vă simțiți împuternicit să veniți cu o listă scurtă sau detaliată de dorințe înainte de a vă întâlni cu un designer, grozav! Dar, în același timp, dacă ți se pare că este un haos total în capul tău și nu ești capabil să-ți structurezi gândurile, nu trebuie să-ți fie frică sau jenă. Spune-i designerului despre dorințele tale, în ordinea în care acestea sunt amintite, sau îți vin în minte sau sunt notate de tine. Ulterior, proiectantul va procesa informațiile din conversația dvs., le va sistematiza și va crea o specificație tehnică pe baza acesteia - parte integrantă a contractului.

În plus, designerul va pune întrebări suplimentare sau va oferi un chestionar - ele vă vor conduce, de asemenea, la gânduri care s-ar putea să nu fi trecut prin cap. În cele din urmă, specificațiile tehnice se vor naște în procesul de dialog.

Probabil că mai merită să adăugați o muscă în unguent și să rețineți că o specificație tehnică întocmită în detaliu insuficient provoacă daune clientului: pentru reelaborarea unui proiect avansat din cauza unor dorințe care nu au fost exprimate în prealabil, proiectantul poate cere o plată suplimentară. , și chiar să trăiești într-un interior care nu satisface toate nevoile, puțină bucurie.

Ar trebui să mă cert cu un specialist? De exemplu, îmi doresc foarte mult un candelabru mare, dar îmi oferă reflectoare?

Nu este nevoie să ne certăm. Atât designerul, cât și clientul ar trebui să-și amintească întotdeauna că scopul este același. Trebuie să vă ascultați cu atenție unul pe celălalt și să nu lăsați încăpățânarea și propriile ambiții să preia controlul. „Trebuie să insist?” - întrebarea este prea ambiguă: fiind în interiorul situației, nu vei găsi un răspuns obiectiv la aceasta. Încercând să delimitez zonele în care una sau cealaltă parte are o prerogativă, în general, aș spune așa:

În cadrul esteticii:

  • dacă aveți îndoieli cu privire la imaginea generală a interiorului, atunci insistați să căutați în continuare;
  • dacă sunteți derutat de elementele individuale ale interiorului și designerul vă asigură că așa ar trebui să fie, poate ar trebui să ascultați mai mult un profesionist, deoarece spre deosebire de client, care vede adesea elementele componente, designerul are o viziune de proiectul în ansamblu.

În ceea ce privește latura funcțională a problemei, în opinia mea, opinia clientului este decisivă. Dar amintiți-vă: înaintea dvs. este o persoană care se confruntă în mod regulat cu probleme de organizare a spațiului - cel mai probabil, are ceva să vă sfătuiască.

- Dacă nu cunosc termenii speciali, ne vom înțelege?

Ca ceva ce nu trebuie să-l deții terminologie medicală Când vizitați un medic, aceasta nu va fi o problemă în comunicarea cu designerul. Designerul nu va începe niciodată să „pună un diagnostic” pe baza a ceea ce numești stilul tău preferat - concluzia se va face pe baza imaginilor și a multor alte semne indirecte. Ei bine, desigur, designerul este interesat să vă transmită ideea în limbaj normal.

- Ce contează, în afară de parametrii tehnici ai camerei? Obiceiurile mele, animalele de companie?

Literal, totul contează: obiceiurile și interesele fiecărui membru al familiei, viața lor în interiorul și în afara casei, cercul membrilor gospodăriei, oaspeților și rudelor. Creșterea, posibilele alergii, animalele de companie sunt importante - lista este nesfârșită și este discutată în etapa de elaborare a specificațiilor tehnice (poate fi completată în proces). Și cu cât tu și designerul reușiți să folosiți mai mulți dintre acești parametri, cu atât interiorul dvs. va fi mai atent și mai adaptat.

- Care sunt cele mai frecvente greșeli pe care clienții le fac atunci când comunică?

  • Ar trebui să țineți întotdeauna cont de faptul că dvs. și designerul sunteți o echipă care lucrează la implementarea proiectului, iar scopul dumneavoastră comun este să implementați acest proiect în cel mai bun mod posibil. Dacă există opoziție într-o relație, ceva nu funcționează corect.
  • Angajezi un designer care să-ți ofere serviciul de creare a unui spațiu de locuit. Daca in acelasi timp nu asculti sfaturile lui, nu faci achizitii emotionale de materiale sau elemente care nu corespund ideii, sau faci chiar tu modificari proiectului, atunci nu vei beneficia mai putin de la serviciul comandat.
  • Aș recomanda să comandați întotdeauna un proiect cu selecția materialelor și supraveghere. Acest lucru îl disciplinează pe designer, nepermițând creativității sale să se desprindă de realitățile pământești și se asigură că ideile tale sunt realizate nu numai pe hârtie, ci și în viață. Un procent foarte mic de clienți poate efectua această activitate independent.

Aveți grijă de designeri și amintiți-vă că va trebui să lucrați împreună cu el de la câteva luni la câțiva ani (în funcție de amploarea proiectului) - în acest timp oamenii reușesc adesea să devină destul de apropiați.

Fotografii: jennifercovingtondesigns.weebly.com, gallery-ot.ru, storyhouse.pw

Vladimir Borisovich Sverdlov - designer, sculptor, membru al Uniunii Designerilor din Sankt Petersburg, președinte al secției de design artistic, absolvent al Academiei de Stat de Arte și Industrie din Sankt Petersburg, care poartă numele. Baronul A.L. Stieglitz (Școala Mukhinsky). Sculpturile sale sunt apreciate nu numai în Rusia, ci și în străinătate. Vladimir Borisovich este autorul portretului lui Joseph Brodsky, donat Bibliotecii Congresului SUA. În prezent, Sverdlov este implicat în crearea de obiecte de artă, materiale plastice de cameră și gliptice.

Pe 15 decembrie 2015 va avea loc o întâlnire cu Vladimir Borisovich la sala de curs Moika-8. În ajunul acestui eveniment, am putut comunica cu el în atmosfera inedită a unui atelier de creație, drumul către care s-a dovedit a fi foarte simbolic. Înțelegerea și cunoașterea ideilor creative ale autorului a fost la fel de profundă ca și mersul prin ușile din față în adâncurile curții din Sankt Petersburg, iar puritatea ideii și a formei este ca un atelier curat iluminat într-o seară întunecată și înnorată.

Vladimir Borisovich, ce este designul artistic pentru tine, cum îl vezi?

Designul artistic s-a născut mult mai devreme decât mine și nimeni nu poate spune cu exactitate câte milenii este acum. Există un astfel de specialist în Egipt, Jorge Angel Livrago Rizzi, un expert de top în lume. El a spus că structurilor le plac mari Piramida egipteană datează de cel puțin 17 mii de ani. Vom considera că o astfel de structură este începutul designului artistic, deoarece zeci de concepte sunt adunate într-o singură clădire: științific, tehnic, arhitectural, artă, medicină și spațiu. Piramida este atât un receptor, cât și un emițător în același timp. Acest lucru m-a îngrijorat întotdeauna și am decis să fac o piramidă, care poate fi numită piramidă doar după contururile ei, dar de fapt este mai mult decât o formă piramidală și nu există faraoni în interior. Există spațiu și timp. Apropo, stiinta moderna explică convergența acestor doi parametri, spațiu și timp, tocmai cu această formulă geometrică: reciproc perpendiculare două găuri cilindrice. Adică, dacă luați o foaie și o îndoiți de-a lungul razei, atunci există o singură gaură, iar apoi formarea unei a doua găuri necesită timp. Aici convergența acestor două găuri este o punte foarte subțire. Practic, nu există nicio problemă între timp și spațiu. Și lumina modelează forma astfel încât să curgă de la o substanță la alta.

Spune-ne despre „piramida” ta?

În 2003, a fost anunțată un concurs pentru un monument dedicat aniversării a 300 de ani de la Sankt Petersburg pe terasamentul Mytninskaya. Am vrut să construiesc o piramidă.

ÎN Egiptul antic Au spus că toată lumea se teme de timp, dar timpul se teme de piramide. De ce îi este frică de forma piramidală? Acest lucru nu a fost spus doar acum 4 mii de ani. Pentru că tot materialul din această lume se transformă, mai devreme sau mai târziu, într-o formă piramidală - într-o grămadă. Și având în vedere faptul că organizarea întregii materie este îndreptată în cele patru direcții ale spațiului, absolut totul se transformă într-o formă piramidală în timp, iar timpul nu poate face nimic în acest sens. Ea construiește piramida însăși. Aceste civilizații care au existat înaintea noastră știau foarte bine acest lucru. Boris Demin, când a văzut prima dată piramida, a spus: „Se pare că am văzut-o deja într-un manual”. De la designer, totul ar trebui să fie similar cu produsul final. Designul adevărat este o operă de artă. La sfârșitul secolului al XX-lea, mulți dintre cei mai importanți designeri din lume credeau că adevăratul produs al designului este o operă de artă. Dar există apologeți care cred că arta este artă, iar designul este design. Dar adevărul este că funcția de „frumusețe” este inerentă aceleiași idei filozofice ca și funcția de „a fi necesar”. De câteva mii de ani este nevoie de o lopată, dar în cele din urmă o persoană învață să se descurce fără lopată și nu poate trăi fără frumusețe. Adică, funcția dominantă este încă frumusețea. Frumusețea salvează lumea tot timpul. Deși există vandali care distrug în mod constant frumusețea. Dar aici există deja un duel între Dumnezeu și diavol. Diavolul trebuie să distrugă ceea ce este creat cu mare dificultate. Dacă nu ar fi fost Dumnezeu, atunci nimic nu ar fi fost creat de om.

Ideile pentru lucrările tale se formează imediat în capul tău sau în timpul procesului de lucru?

Nu, în curs. Inventarea și desenul este ușor și simplu. Trebuie doar să adorm și pentru ca o idee să apară în vis, dimineața deja pot să o desenez, așa a fost și cu piramida, de altfel. Dar când am început să-l sculptez, nu era clar cum să construiesc acești pereți fără suporturi. Și trebuie să le modelez pentru a turna o piramidă. A trebuit să scap de el. La început am făcut doar ferestrele din piramidă, dar fără raze. Și când am primit acest monolit în ipsos cu ferestre reciproc perpendiculare, atunci am început să rafinam razele în ipsos. Și am un model. L-am turnat din nou si l-am turnat in ipsos, dar cu raze. Le-am adus foarte aproape de starea perfectă. Dar când am turnat metal, mi-am dat seama că încă nu făcusem nimic. Și de mai bine de 2 ani am adus piramida în stare perfectă.

Practic teoria mea: ar trebui să fie aer peste tot în sculptură, nu mai fura. Cu ajutorul sculpturii tradiționale, întregul spațiu interior este furat de toți sculptorii lumii. Se ia o piatră, se ia un bronz și se prinde spațiul. Toate lucrările mele conțin aer. Și continuăm să ridicăm monumente figurative.

Lucrările tale au o semnificație filosofică atât de profundă.

Nu există design fără filozofie! Acolo unde vorbim despre design fără filozofie, aceasta este artă decorativă și aplicată. Iar designul este neapărat o filozofie.

Atunci pot să vă întreb dacă există un loc pentru intuiție în design?

Totul se bazează pe intuiție, dar se numește popular fantezie. Dar în realitate este intuiție. Un designer trebuie să vadă mult mai departe decât toți ceilalți din jurul lui. Și, în general, definiția mea despre design este tot ceea ce umanitatea va avea nevoie după ceva timp. Ceea ce avem acum este tehnocrație, inginerie - de asta este nevoie acum. Faceți ceva cu computere, laptopuri și așa mai departe. Acest lucru este necesar acum, asta este ceea ce afacerea cere de la toți specialiștii: dă-l chiar acum - îl voi vinde. Dar designerul trebuie să caute mult mai departe. Iar designerul de artă trebuie să simtă și frumusețea, despre care se vorbește atât de multe de mii de ani, s-ar părea că nu este nimic de adăugat. Deci, tot ce rămâne este să stingi ușile și să le dai foc, dar aceasta nu este o cale de ieșire din situație. Trebuie să căutăm frumusețea tot timpul.

În ceea ce privește intuiția: este multă ea în lucrările tale?

Și nu este pentru mine să judec. Sunt într-o zonă diferită. Cât, cât de puțin? Cel mai important lucru este să simți sau nu. Dacă o simți, stabilește cât de mult este - din nou este nevoie de timp, cât de mult din această intuiție am. Joseph Brodsky a scris în Roman Elegies:
Am aflat despre viitorul meu – și orice – din scrisoare, din vopseaua neagră.
Atat de adanc.

În munca ta există multe lucrări dedicate lui Joseph Brodsky. De ce te intorci la el?

Mă întorc și la Pușkin.
Iar fecioarele trandafirii beau suflarea, - Poate... pline de Ciuma! (A. S. Pușkin „Sărbătoarea în timpul ciumei”)
Aceștia sunt văzătorii. Și una și alta. Doar unul este din secolul al XIX-lea, iar al doilea este din secolul al XX-lea.

Fiica lui Brodsky, când a văzut sculptura, a întrebat: „Pot să o ating?” I-am răspuns: „Este posibil, dacă pot să te ating”. Și am atins-o pe fiica lui Brodsky. — Capul tăiat al lui Brodsky. Vedeți marginea zimțată? Ea nu este tăiată, ci ruptă de ceva mare. Geniu. Omul care a spus: „În era frecării, viteza luminii este viteza vederii. Chiar dacă nu există lumină.”
Un alt concept pe care nimeni nu-l cunoaște. Aș visa să pun un cap mare la Veneția și poți intra în capul lui Brodsky. Și când crești, nu mai poți intra, nici măcar nu te poți târâi, dar când ești mic poți să te urci. Apoi, când o persoană crește, el spune: „Și l-am vizitat pe Brodsky în copilărie”. Și toate literele, la fel ca poezia, sunt scrise în oglindă înăuntru. Cu Brodsky este invers.



Câte portrete cu el ai?

Nu voi vorbi, altfel o să crezi că sunt nebun.

Brodsky te-a influențat foarte mult pe tine și munca ta?

M-au influențat mulți oameni: tata, mama, fratele mai mare.

Este greu să reziste să pui întrebări legate de familia ta. Din moment ce ai crescut într-o atmosferă creativă, cum ți-a influențat asta viitorul? Te-ai confruntat cu o alegere: o profesie creativă sau, de exemplu, un matematician, chimist, contabil?

Acum vă voi spune un episod din viața mea. Sunt la o școală de artă pentru copii. Profesorul meu este elevul tatălui meu. Și spune: „Vova, mâine nu vom desena pe o foaie de hârtie, ci pe o tabletă. Trebuie să întindeți hârtia pe tabletă. Spune-i părinților tăi, ei te vor învăța și vin la școală cu o tabletă.” Vin și le explic părinților mei, ei spun: „Nu vă faceți griji, vom face totul”. Și mi-au dat o tabletă. Nu am văzut niciodată ce este, dar când părinții mei au tras tableta, erau pânze în colțuri. Am inceput sa plang. Tatăl meu i-a spus mamei în liniște, în șoaptă, așa cum îmi amintesc acum: „Asta este. Totul este clar cu asta!” Apoi, când înainte de armată lucram într-un studio de arhitectură, ca arhitect stagiar - aceasta a fost prima mea intrare în cartea de muncă, trebuia să trag cel puțin 30 de tablete pe zi pentru arhitecți. Pot deja să trag tableta cu ochii închiși.

Ai lucrat cu fratele tău atunci?

Nu, fratele meu nu m-a luat niciodată sub aripa lui. Pur și simplu a privit din lateral ce făceam. Apoi a început să le spună copiilor săi: „Uite la unchi, totul cu el nu este la fel ca și cu mine și trebuie să înveți și asta.”

De ce nu ai intrat în arhitectură?

Și am intrat în arhitectură. Am studiat un an întreg la Facultatea de Arhitectură. Am văzut că acolo sunt doar porcării și m-am înrolat în armată. După armată, a intrat la Institutul de Artă și Industrială din Harkov, cel mai vechi ca și Academia. A.L. Stieglitz.

De ce te-ai transferat la Academie. A.L. Stieglitz?

Am venit la nunta prietenului meu după al doilea an și am cunoscut-o pe viitoarea mea soție. Tatăl ei mi-a spus: „Cum vei trăi în Harkov și ea este aici, la Leningrad?” „Este în regulă, se va transfera”, am spus, „sunt 47 de universități în Harkov”. Și soția a spus: „Nu, este mai bine pentru tine să te transferi”.

Regreți această alegere?

Îmi pare rău. Mucha este mai slab decât Institutul Harkov.

Aveți impresii bune despre Academia Stieglitz?

Ei bine, desigur, au rămas. O parte din viața mea a fost acolo, am urmat 4-5 cursuri. Toată lumea a venit să se uite la desenul meu. Șeful departamentului de desen la acea vreme era Vladimir Ivanovici Shistko, acesta sa oferit să rămână la școala Mukhinsky. Am spus nu. Sunt un designer". El a spus: „Este păcat. Ai cel mai bun desen de pe curs.”

Din ce departament ai absolvit?

Design industrial. După Colegiul Mukhinsky, am lucrat timp de 17 ani ca designer industrial. Din tânăr specialist unui designer de top din industrie. Ministrul mi-a înmânat medalia MRP (Ministerul Instrumentației Radio). Și apoi a venit Gorbaciov și a spus că nu avem nevoie de toate acestea, precum produse precum „Leningrad”, „Galaktika”, „Amphiton”, „Blues” și așa mai departe. Am un folder cu articole pur de designer.

Care este subiectul tezei tale?

O navă spațială cu astronauți înăuntru. Acești astronauți trebuie să facă muncă fizică pentru ca mușchii, ligamentele și oasele lor să nu se atrofieze. A fost necesar să se creeze o zonă de reabilitare. Tine minte nava spatiala: un cilindru mare, un con și apoi un cilindru mic. Și în partea conică am venit cu o „roată de veveriță” în jurul perimetrului. Tot ce trebuie să faci este să te atașezi de baza acestei „roți veverițe” cu curele de cauciuc și poți pur și simplu să alergi de-a lungul unei piste. De asemenea, puteți așeza o bară de perete; unitatea de ergonomie a bicicletei pentru canotaj este îndepărtată de pe barele de perete. Și totul este foarte compact, multifuncțional și, cel mai important, nu există costuri pentru putere, nu trebuie să luați motoare suplimentare în spațiu.

Ce fel de fabrică ai lucrat?

CNPO „Leninets”. Acolo s-au făcut super echipamente pentru navigație.
Receptorul Leningrad-10 a fost una dintre primele mele lucrări la fabrică. Apoi era un magnetofon cu două casete, un contor pentru taximetriști, un receptor cu acustică portabilă, un casetofon pentru casete audio, un „Argo”, un radiofontofon „Galaktika”, pentru care am primit medalie.

Turnul „XX-XXI” este un monument dedicat aniversării a 100 de ani a avangardei ruse. Ce te-a inspirat să o creezi?

M-a inspirat faptul că în țara noastră nu există nimic la fel de adânc ca „Piața Neagră”. Nu a fost inspirație, ci altceva, probabil resentimente. Sunt teribil de jignit. Toată arta modernă: vest, vest european, american, totul s-a format doar datorită unor oameni ca Malevich, Kandinsky, Leonidov în arhitectură și alții.

Se pare că avangarda rusă a contribuit la dezvoltarea artei occidentale?

Da! Absolut! Cel mai recent, Schitul a găzduit o expoziție a lui Zaha Hadid. Ea a spus că avangarda rusă este icoana ei. Dar nu am pus nimic în loc și nu avem nicio legătură cu el.

De ce folosești acest material special? De ce luciu?

Iată principalul specialist în artă contemporană al Ermitajului Ozerkov D.Yu. Am întrebat și: „De ce nu ai o factură?” Eu personal cred că tot ce are legătură cu textura este o înșelăciune. "Decorativ". Forma nu poate fi înșelată de textura. Apa lină și calmă este cea mai secretă armă a noastră. Fără apă și fără aer, omenirea nu ar putea exista. Învăț natural de la natură. Forma netedă a apei, perfect netedă, nu se poate decât invidia cât de ușor face planuri colosale perfect uniforme. Mai mult, se organizează singur. Pământul nu poate, dar apa o poate face cu ușurință. Și pentru ce este această formă netedă? Poate exista energie colosală pe suprafața sa, dar nu putem folosi această energie.

Se întâmplă în zborul gândirii creative să întâlnești limitări impuse de însăși natură? Adică forța gravitației, de exemplu.

Îți voi spune cu ce limitări mă confrunt. Acum, dacă toate aceste gânduri, idei și concepte – toate acestea mi-ar fi venit la 20 de ani, aș fi fericit. Dar, din păcate, aveam deja 60 de ani când am început să mă gândesc serios la ce se întâmplă în jurul meu. Și aceasta este cea mai mare dificultate. Nu vă îndreptați uneori...

Aici am atins perioada de acum 20 de ani și acum. Aș dori să întreb despre privitor: privitorul din acel moment al primei sculpturi și privitorul acum. Cum îl afectează schimbarea generațiilor?

Nu se schimbă fundamental. Ei geme, gâfâie și mă ucid cu întrebarea: „De ce ai făcut asta?”

Consideri ca toata munca ta este finalizata?

Nu. Am mereu un sentiment constant de nemulțumire. Mi-ar plăcea să o fac altfel, nu fundamental diferit, dar undeva în detalii, dar altfel. Viziunea este în continuă schimbare. A existat un astfel de profesor la Harkov, M.A. Shaposhnikov, care a studiat la Bauhaus cu Kandinsky. Avea deja peste 80 de ani când am studiat. A marcat scorurile pe capătul tabletei. Așa că merge de-a lungul peretelui și urmărește cum se întinde tableta și pariază 3-2. Mă duc la tabletă și am un 5. Ghenadi Stepanovici, primul meu curator, a spus: „Dacă aș fi în locul tău, aș tăia aceste cinci de pe tabletă, aș merge la Shaposhnikov și aș lua un autograf. Nu știi ce este Shaposhnikov. În toată istoria, nimeni nu a avut un A. Tu ești primul”. Vaks I.A. când a aflat că Shaposhnikov predă cu mine, mi-a strâns mâna și s-a înclinat. Dar, în general, tot ce ține de studii, aș acumula totul pe teoriile acelor arhitecți, artiști, designeri de la începutul secolului XX. Au scris atât de mult. Noi, generația noastră, am fost jefuiți cu o forță teribilă. Au existat atât de multe teorii unice despre constructivism.

În ce moment ați trecut la această construcție de forme din design industrial?

Din copilărie. Întotdeauna am făcut-o.

Care este principiul tehnicii de realizare a muncii tale?

Tehnica de execuție este aceasta: Aceasta este mintea. Trebuie să fie echipat cu toate complexitățile tehnologiei care au existat înaintea mea. Cunoștințele mele sunt instrumentul meu principal. Apoi intuiția. Ce să faci cu ei? Cum să comprimați toate aceste cunoștințe astfel încât să se transforme într-o formă, într-o imagine. Dar când am început să sculpt (despre un turn, o piramidă), aproape că am înnebunit de câte lucruri noi am învățat în acest proces. Adică, tot ceea ce se întâmplă nou în artă este doar stratul superior, ca un aisberg.

Trebuie să creați așa ceva, astfel încât să fie mai semnificativ decât cele anterioare. Cuvintele se nasc pe baza formei, precum Brodsky:

Aici, pe dealuri, printre cerurile pustii,
Printre drumurile care duc numai spre pădure,
Viața se retrage de la sine
Și se uită cu uimire la forme.

Mai întâi cu surpriză, apoi începe percepția chintesenței, ce este - forma, ce stă în spatele ei.
Mi-ar plăcea ca tot ceea ce vedeți să fie înțeles nu numai la nivelul biologiei „vă place sau nu”, ci și pe baza minții, astfel încât percepția să treacă prin primar – prin minte. Ca să aveți o înțelegere.

Mulțumesc foarte mult pentru conversația interesantă. Te pot asculta la nesfârșit. Lucky este cel care poate participa la prelegerea ta.

Era bucuros.

Întâlnirea s-a dovedit a fi sinceră și caldă. În timpul conversației, Vladimir Borisovici nu numai că și-a împărtășit părerile despre ceea ce se întâmplă în arta contemporană, dar a dezvăluit și esența profundă a lucrărilor sale, a arătat calea prin care el însuși parcurge de fiecare dată când își creează capodoperele. A auzi direct cum s-a născut o idee și cum a fost creat un obiect de artă este una dintre rarele oportunități pe care le avem în viață. Sperăm că Vladimir Borisovich va încă ani lungi ne va încânta și ne va inspira cu creativitatea sa.