Pod peste abis. Comentariu despre Antichitate

„Bridge Over the Abyss” este prima carte a Paolei Volkova, scrisă de ea pe baza propriului curs de prelegeri. Imaginea podului, potrivit lui Paola Dmitrievna însăși, nu a fost aleasă întâmplător - ca o metaforă pentru întreaga cultură mondială, fără de care nu am fi existat. O profesoară și povestitoare strălucită, prin cărțile, prelegerile și doar conversațiile ei, ea a insuflat studenților și interlocutorilor săi un sentiment de frumusețe, încercând să ajungă la sufletul lor și să le curețe de totușia acumulată.

Una dintre cele mai emblematice cărți pentru orice persoană educată, Bridge Over the Abyss ne poartă într-o călătorie prin veacuri.

Cartea urmărește noi legături între forme îndepărtate care nu zac la suprafață și în fața ochilor. De la Stonehenge la Teatrul Globe, de la Creta la luptele spaniole, de la Mediterana europeană la conceptualismul secolului al XX-lea - toate acestea sunt interconectate și pot exista unele fără altele.

Pod peste abis. În spaţiul culturii creştine

Dominația creștinismului în lumea medievală a dat naștere întregii culturi moderne, în spațiul căreia existăm de la naștere până la moarte - tocmai despre asta vorbește Paola Dmitrievna Volkova în seria sa de prelegeri dedicate Evul Mediu târziuși Proto-Renaștere.

Este imposibil să considerăm această epocă drept „evul întunecat” convențional, ca ceva mediocru - această perioadă în sine nu este mai puțin semnificativă decât Renașterea.

Geniile acestui timp - Sfântul Francisc de Assisi și Bonaventura, Giotto di Bondone și Dante Alighieri, Andrei Rublev și Teofan Grecul - sunt încă în dialog cu noi de-a lungul secolelor. Cardinalul Jorge Mario Bergoglio, devenit Papa ales al Romei, își ia numele în cinstea sfântului din Assisi, înviind umilința franciscană și invitându-ne să trecem un alt pod peste abisul epocilor.

Pod peste abis. Mistici și umaniști

Nicio cultură, nicio etapă culturală nu are o relație atât de directă cu modernitatea precum Renașterea.

Renașterea este cea mai progresivă și revoluționară perioadă din istoria omenirii. Paola Dmitrievna Volkova vorbește despre acest lucru în următoarea carte a seriei „Podul peste abis”, luând ștafeta primului critic de artă, Giorgio Vasari, un adevărat om al epocii sale - scriitor, pictor și arhitect.

Artiștii Renașterii - Sandro Botticelli și Leonardo da Vinci, Rafael și Tițian, Hieronymus Bosch și Pieter Bruegel cel Bătrân - nu au fost niciodată doar artiști. Erau filozofi, erau însărcinați cu problemele principale și fundamentale ale vremii. Pictorii Renașterii, revenind la idealurile Antichității, au creat un concept coerent al lumii cu unitate internă și au umplut subiectele religioase tradiționale cu conținut pământesc.

Pod peste abis. Marii Maeștri

Ce a venit mai întâi - bărbatul sau oglinda? Această întrebare este pusă de Paola Dmitrievna Volkova în al patrulea volum al seriei „Podul peste prăpastie”. Pentru marii maeștri, un portret a fost întotdeauna nu doar o imagine a unei persoane, ci și o oglindă, care reflectă nu numai frumusețea exterioară, ci și interioară. Un autoportret este o întrebare pentru sine, o reflecție și răspunsul care urmează. Diego Velazquez, Rembrandt, El Greco, Albrecht Durer și toți ne lasă în acest gen mărturisirea amară a vieții.

Ce oglinzi obișnuiau să stea cu frumusețile de altădată? Venus, ridicându-se din ape, și-a văzut reflectarea în ele și a fost mulțumită de ea însăși, iar Narcis a înghețat pentru totdeauna, șocat de propria sa frumusețe. Pânzele, reflectând doar imaginea ideală în timpul Renașterii, și ulterior personalitatea unei persoane, au devenit oglinzi eterne pentru oricine îndrăznește să privească în ele - ca într-un abis - pe bune.

Această publicație este un ciclu revizuit „Podul peste abis” în forma în care a fost concepută de însăși Paola Dmitrievna - în ordine istorică și cronologică. De asemenea, va include prelegeri inedite din arhiva personală.

Pod peste abis. Impresioniştii şi secolul al XX-lea

Istoria impresionismului, care a influențat odată pentru totdeauna toată arta ulterioară, acoperă doar 12 ani: de la prima expoziție din 1874, unde a fost prezentată celebra „Impresiune”, până la ultima, a opta, în 1886. Edouard Manet și Claude Monet, Edgar Degas și Auguste Renoir, Henri de Toulouse-Lautrec și Paul Gauguin – cu care începe această carte – au fost printre primii care au vorbit împotriva convențiilor picturii „clasice” care au apărut până atunci.

Istoria acestei familii, care a fost spusă de autorul celebrului serial „Podul peste prăpastie” Paola Volkova în această carte, este un exemplu al vieții adevăraților intelectuali ruși, „un armorial direct al onoarei familiei lor, un dicționar al conexiunilor lor rădăcină.”

De la Giotto la Tizian. Titanii Renașterii

Renașterea este cea mai progresivă și revoluționară perioadă din istoria omenirii. Artiștii Renașterii - Sandro Botticelli și Leonardo da Vinci, Rafael și Tițian, Hieronymus Bosch și Pieter Bruegel cel Bătrân - nu au fost niciodată doar artiști.

Erau filozofi, erau însărcinați cu problemele principale și fundamentale ale vremii. Revenind la idealurile Antichității, ei au creat un concept coerent al lumii cu unitate internă și au umplut poveștile religioase tradiționale cu conținut pământesc.

Această ediție ilustrată conține prelegeri ale Paolei Dmitrievna Volkova, autoarea celebrei serii „Podul peste prăpastie”, dedicată adevăraților titani ai Renașterii, revizuite și extinse pentru confortul cititorului.

Cine suntem noi din punct de vedere al originii spirituale? Cum s-a format conștiința noastră artistică, mentalitatea noastră și unde îi putem găsi rădăcinile? Critic de artă, critic de film, autoare și gazdă a seriei de documentare despre istoria culturii mondiale „Podul peste prăpastie” Paola Dmitrievna Volkova este convinsă că toți suntem încă moștenitorii unei civilizații mediteraneene unice - o civilizație creată de grecii antici .

„Oriunde strănuți, fiecare teatru are propria sa Antigonă.”

Dar care este particularitatea și unicitatea sa? Și cum Grecia antică, într-o stare de luptă civilă continuă, fără un singur spațiu terestre și un singur sistem politic, a reușit să creeze o cultură care să servească în continuare întreaga lume? Potrivit Paolei Volkova, secretul geniului grecesc este că acum mai bine de două mii și jumătate de ani au reușit să creeze patru regulatori artificiali care au determinat forma lumii pentru multe secole viitoare. Acestea sunt olimpiade, gimnazii, uniuni artistice și sărbători ca componente importante ale vieții fiecărui cetățean - dialoguri rituale despre principalul lucru. Astfel, grecii sunt creatorii de forme și idei atât de puternice și frumoase, încât civilizația noastră continuă să se miște în continuare de-a lungul vectorilor stabiliți de eleni. Iată, rolul modest al culturii antice în modelarea aspectului lumii moderne.

Cum au funcționat aceste patru autorități de reglementare și ce este special la ei? Puteți afla despre asta dintr-o prelegere de o oră și jumătate susținută la centrul Skolkovo și care deschide întreaga serie conversații despre artă, în care Paola Volkova a vorbit despre rădăcinile noastre spirituale în cultura mediteraneană, despre modul în care conștiința a determinat existența în Grecia Antică, ce avea Homer în comun cu Vysotsky, cum olimpiadele au unit Grecia și au devenit un sistem de cimentare pentru formarea unei mari culturi mediteraneene și cum „Alexandru Filippovici din Macedonia” a distrus totul. Chiar în mijlocul prelegerii, Paola Dmitrievna simte mânia zeilor, iar la sfârșitul poveștii ei ajunge la concluzia că grecii sunt pisica Cheshire care a reușit să creeze zâmbetul lumii:

„Grecii au creat idei. Practic sunt o pisică Cheshire. Știi ce este o pisică Cheshire? Acesta este momentul în care există un zâmbet, dar nu există nicio pisică. Au creat un zâmbet pentru că există foarte puțină arhitectură autentică, foarte puțină sculptură autentică, foarte puține manuscrise autentice, dar Grecia există și servește tuturor. Sunt o pisică Cheshire. Ei au creat zâmbetul lumii”.

Pagina curentă: 1 (cartea are 3 pagini în total) [pasaj de lectură disponibil: 1 pagini]

Prelegeri despre artă susținute de profesorul Paola Volkova
Cartea 1
Paola Dmitrievna Volkova

© Paola Dmitrievna Volkova, 2017


ISBN 978-5-4485-5250-2

Creat în sistemul de publicare intelectuală Ridero

Prefaţă

Țineți în mână prima carte, care cuprinde prelegeri inedite ale profesorului de istoria artei Paola Dmitrievna Volkova, susținute de aceasta la Cursurile superioare de regizori și scenariști în perioada 2011-2012.


Volkova Paola Dmitrievna


Cei care au avut norocul să asiste la prelegerile acestui lucru femeie uimitoare, nu vor fi uitate niciodată.

Paola Dmitrievna este o elevă a oamenilor mari, printre care s-au numărat Lev Gumilev și Merab Mamardashvili. Ea nu numai că a predat la VGIK și la Cursurile superioare pentru regizori și scenariști, dar a fost și cel mai important expert mondial în munca lui Tarkovsky. Paola Volkova nu numai că a ținut prelegeri, ci și a scris scenarii, articole, cărți, a organizat expoziții, a revizuit și a găzduit programe de televiziune despre artă.

Această femeie extraordinară nu a fost doar o profesoară genială, ci și o mare povestitoare. Prin cărțile, prelegerile și doar conversațiile sale, ea a insuflat studenților și ascultătorilor săi un sentiment de frumusețe.

Paola Dmitrievna a fost comparată cu Biblioteca din Alexandria, iar prelegerile ei au devenit o revelație nu numai pentru oamenii obișnuiți, ci și pentru profesioniști.

În operele de artă, ea știa să vadă ceea ce este de obicei ascuns de ochii curioșilor, cunoștea acel limbaj foarte secret al simbolurilor și putea cel mai mult în cuvinte simple explicați ce conține aceasta sau acea capodopera. Era o urmăritoare, un ghid-traducător între epoci.

Profesorul Volkova nu era doar un depozit de cunoștințe, era o femeie mistică - o femeie fără vârstă. Poveștile ei despre Grecia antică, cultura Cretei, filosofia Chinei, marii maeștri, creațiile și destinele lor, au fost atât de realiste și pline de cele mai mici detalii și detalii, încât au sugerat involuntar ideea că ea însăși nu a trăit doar în acele vremuri, ci și personal. știa pe toți despre care vorbea narațiune.

Și acum, după plecarea ei, ai o mare ocazie să te cufundați în acea lume a artei, pe care, poate, nici nu ați bănuit-o și, ca un călător rătăcitor însetat, să beți din cea mai pură fântână a cunoașterii.

Prelegerea nr. 1. Școala Florentină – Titian – Piatigorsky – Byron – Shakespeare

Volkova: Mă uit la rândurile subțiri...

Elevi: Nimic, dar să luăm calitatea.

Volkova: ce imi pasa? Nu am nevoie de asta. Ai nevoie de asta.

Elevi: Le vom spune totul.

Volkova: Aşa. Avem un subiect foarte important pe care l-am început data trecută. Dacă vă amintiți, vorbeam despre Titian. Ascultă, vreau să te întreb asta: îți amintești că Raphael era elev la școala florentină?

Elevi: Da!

Volkova: Era un geniu și geniul lui a avut un efect foarte interesant. Nu am văzut niciodată un artist mai perfect. El este Absolutul! Când te uiți la lucrurile lui, începi să le înțelegi puritatea, plasticitatea și culoarea. O fuziune absolută a lui Platon și Aristotel. În picturile sale există tocmai principiul aristotelic, intelectualismul aristotelic și conceptualitatea aristoteliană, mergând pe lângă înaltul principiu platonic, cu atâta perfecțiune a armoniei. Nu întâmplător, în „Școala din Atena”, sub arc, el i-a pictat pe Platon și Aristotel mergând unul lângă celălalt, pentru că nu există nici un decalaj intern în acești oameni.


scoala din Atena


Școala florentină își are originea în dramaturgia giottiană, unde există căutarea unui anumit spațiu și atitudine față de filosofare. Aș spune chiar și filozofare poetică. Dar venețienii sunt o școală complet diferită. În ceea ce privește această școală, am luat această piesă a lui Giorgione „Madona din Castelfranco”, unde Sfântul Gheorghe seamănă mai mult cu Ioana d’Arc a lui Voltaire.

Uită-te la ea. Florentinii nu puteau picta astfel pe Madona. Uite, e ocupată cu ea însăși. O astfel de izolare spirituală. Există momente în această imagine care cu siguranță nu s-au mai întâmplat până acum. Aceasta este o reflecție. Lucruri care au legătură cu reflecția. Artistul dă niște momente complexe mișcării interne, dar nu o direcție psihologică.


Madona din Castelfranco


Dacă rezumăm ceea ce știm despre venețieni și despre Tițian, atunci putem spune că într-o lume care surprinde Veneția cu viața ei deosebită, cu productivitatea ei socială complexă și turbulențele istorice, se poate vedea și simți încărcătura internă a unui sistem care este gata să se epuizeze. Priviți acest portret al lui Tițian care atârnă în galeria Palatului Pitti.


Portretul unei persoane necunoscute cu ochi cenușii


Dar mai întâi, în compania noastră intimă, trebuie să recunosc că am fost cândva îndrăgostită de acest tovarăș din imagine. De fapt, m-am îndrăgostit de tablouri de două ori. Prima dată când m-am îndrăgostit a fost ca o școală. Aveam un album Ermitage dinainte de război la noi acasă și avea un portret al unui tânăr în halat, pictat de Van Dyck. L-a pictat pe tânărul lord Philip Warren, care avea aceeași vârstă cu mine. Și am fost atât de fascinat de semenul meu, încât, desigur, mi-am imaginat imediat prietenia noastră minunată cu el. Și știi, m-a salvat de băieții din curte - erau vulgari, luptători, dar aici avem relații atât de înalte.

Dar, din păcate, eu am crescut și el nu a făcut-o. Acesta a fost singurul motiv pentru care ne-am despărțit (râsete).Și a doua mea dragoste s-a întâmplat când eram student în anul 2. M-am îndrăgostit de portretul unui bărbat necunoscut cu ochi gri. Nu am fost indiferenți unul față de celălalt mult timp. Sper că aprobi alegerea mea?

Elevi: Fără îndoială!

Volkova:În acest caz, ne vom muta într-o zonă care este foarte interesantă pentru relația noastră cu arta sau operele de artă. Îți amintești cum am încheiat ultima lecție? Am spus că suprafața picturală a tabloului în sine devine valoroasă în sine. El însuși este deja conținutul imaginii. Și Tițian a avut întotdeauna această valoare intrinsecă absolut pitorească. Era un geniu! Ce se va întâmpla cu picturile lui dacă eliminați stratul pictural și lăsați doar pictura de bază? Nimic. Pictura lui va rămâne un tablou. Va rămâne în continuare o operă de artă. Din interior. La nivel intracelular, baza, aceasta este ceea ce face un pictor un artist genial. Și în exterior se va transforma într-un tablou de Kondinsky.

Este foarte greu să-l compari pe Titian cu oricine altcineva. El este progresist. Uite cum, prin umbra care cade pe peretele de culoare argintie, leagă pitoresc acest portret cu spațiul în care locuiește această persoană. Nici nu-ți poți imagina cât de greu este să scrii. O combinație atât de uimitoare a unui spațiu ușor, argintiu-vibrant, această haină de blană pe care o poartă, un fel de dantelă, păr roșcat și ochi foarte deschisi. Vibrația gri-albastru a atmosferei.

Are un tablou care atârnă... Nu-mi amintesc unde, nici la Londra, nici la Luvru. Nu, cu siguranță nu la Luvru, la National Gallery din Londra. Deci, în această poză este o femeie care stă cu un copil în brațe. Și când te uiți la el, ți se pare că acest tablou a venit aici din întâmplare, pentru că pur și simplu este imposibil să-ți imaginezi că aceasta este opera lui Tițian. A fost pictat într-o manieră care amintește de ceva dintre Claude Monet și Pissarro - folosind tehnica puntillismului, care creează chiar acest tremur al întregului spațiu al tabloului. Te apropii și nu-ți crezi ochilor. Acolo nu mai puteți vedea călcâiele sau fața copilului, dar un singur lucru este vizibil - l-a depășit pe Rembrandt în libertate. Nu este o coincidență că Vasily Kondinsky a spus: „Există doar doi artiști în arta mondială pe care îi pot numi pictori abstracti. Nu non-obiective - sunt obiective, dar abstracte. Aceștia sunt Titian și Rembrandt.” De ce? Pentru că, dacă înaintea lor toată pictura se comporta ca pictură colorând un obiect, atunci Tizian a inclus momentul colorării, momentul picturii ca culoare independent de obiect. Ca, de exemplu, „Sf. Sebastian” în Schit. Când te apropii foarte mult de ea, nu poți vedea decât haos pitoresc.

Există un tablou pe care tu, stând în fața pânzei, îl poți privi la nesfârșit. Este foarte greu de transmis în cuvinte, deoarece există o lectură impresionistă complet arbitrară, citire a personajelor sau personalităților pe care le scrie. Și nu contează la cine te uiți: Piero della Francesco sau ducele umbrist Federico da Montefeltro.


Sfântul Sebastian


Aceasta este doar o aparență de lectură. Există ceva foarte semnificativ aici, pentru că nu este posibil să se dea o echivoc descriere completă persoană, pentru că există energie și ceea ce fiecare dintre noi expune sau ascunde în noi înșine. Asta e tot text complex. Când Titian pictează un portret al unui bărbat, el evidențiază fața, gestul și mâinile. Restul este cam ascuns. Orice altceva este construit pe această dramaturgie.

Dar, să revenim din nou la portretul unui bărbat necunoscut cu ochi cenușii. De fapt, acesta este Ippolito Riminaldi. Uite cum ține mănușa. Ca un pumnal. Nu te confrunți cu un personaj, ci cu un individ foarte complex. Titian este foarte atent la contemporanii săi. El îi înțelege și, atunci când le creează imaginile, le face să ne vorbească într-o limbă specială Tițian. El creează un extraordinar lume istorică iar portretul lui Riminaldi este ceva incredibil. La urma urmei, puterea și relevanța de durată a acestei pânze istorice pot fi comparate doar cu Shakespeare.

Și uită-te la portretul lui Paul al III-lea și al celor doi nepoți ai săi. Am vazut aceasta poza in original. Aceasta este o priveliște incredibilă! Se pare că este scris cu sânge, doar pe diferite tonuri. Se mai numește și roșu și distorsionează schema de culori pe care Tizian a stabilit-o pentru pictură. Pentru prima dată, culoarea din definiția formei: cană, floare, mână, devine conținutul formei.


Paul al III-lea cu nepoții săi


Elevi: Paola Dmitrievna, cum rămâne cu pânza în sine?

Volkova: Vă spun acum. Există o mulțime de distorsiuni acolo. Vedeți că roșul este culoarea dominantă? Dar nici nu veți vedea ce culori au picioarele și perdeaua. Pur și simplu nu percepi această culoare pentru că grosimea a fost adăugată „jgheabului de sânge”. Secol sângeros, fapte sângeroase.

Elevi: Inimi însângerate.

Volkova: Inimi însângerate. Și inimi crude. În general, o legătură sângeroasă între timpuri. Să luăm aceeași perdea. Se pare că a fost înmuiată în sângele oamenilor, animalelor, oricui altcineva, apoi crudă și spânzurată. Când te uiți la original, crede-mă, devine înfricoșător. Greu psihic. Papa are o umbră pe fustă. vezi? Apropiați-vă și simțiți că acest material a fost prins cu mâinile însângerate. Toate umbrele de aici sunt roșii. Și cât de slab și senil-putred arată pelerină... Există atâta neputință în ea. Fundal îmbibat în sânge...

Elevi: Cine stă lângă tata?

Volkova: Răspunsul este chiar în titlu (râsete). nepoți. Cel care stă în spatele Papei este Cardinalul Arsenie, iar cel din dreapta este Hippolytus. Știi, foarte des cardinalii își spuneau propriii copii nepoți. Au avut grijă de ei și i-au ajutat să facă carieră.

Uită-te la șapca pe care cardinalul Arsenie o are pe cap și la fața lui palidă. Și tipul ăsta din dreapta? Acesta este ceva! Fața lui este roșie și picioarele lui sunt violet! Iar tata stă ca într-o capcană de șoareci - nu are încotro. În spatele lui se află Arsenie, iar în lateral este un adevărat Iago shakespearian, parcă s-ar târî cu pași tăcuți. Și tata îi este frică de el. Uite cum și-a apăsat capul în umeri. Titian a pictat un tablou groaznic. Ce dramă! Aceasta este o adevărată dramaturgie de scenă și el acționează aici nu ca dramaturgul Titian, ci ca un povestitor, ca Shakespeare. Pentru că el este de același nivel și aceeași intensitate și înțelege istoria nu ca o istorie a faptelor, ci ca o istorie a acțiunilor și faptelor. Iar istoria se face prin violență și sânge. Istoria nu înseamnă relații de familie și, desigur, aceasta este trăsătura dominantă a lui Shakespeare.

Elevi: Pot să pun o întrebare? Papa a comandat tocmai un astfel de tablou? Sângeros?

Volkova: Da, doar imaginați-vă. Mai mult, i-a scris Papei și mai rău. În Toledo, în Catedrală, există o galerie imensă și conține un portret atât de groaznic al Papei. Acesta este doar un fel de horror-horror-horror. „Țarul Koschey stă și lâncește din cauza aurul său.”



Are degete atât de subțiri, mâini uscate, capul deprimat, fără pălărie. Acesta este ceva înfricoșător. Și imaginați-vă, timpul trece, imaginea este acceptată și are loc un eveniment minunat. Acest Hippolit îl îneacă pe fratele său cardinal în Tibru, același pe care Tizian l-a pictat cu un chip palid, ca cel al unui mare martir. L-a ucis și l-a aruncat în Tibru. De ce? Dar pentru că i-a stat în calea promovării cardinale. După care, după un timp, Hippolytus însuși devine cardinal. Și apoi a vrut să devină Papă și l-a sugrumat pe Paul al III-lea cu un șnur de mătase. Viziunile lui Titian au fost pur și simplu uimitoare.

În general, este imposibil să arăți totul, iar portretele lui sunt diferite, dar cu cât Tizian îmbătrânește, cu atât pictura lor devine mai uimitoare. Să ne uităm la portretul lui Carol al V-lea, care atârnă la München.

Se spune că atunci când Titian a pictat-o, Charles i-a dat pensule și apă. Acesta este un portret uriaș și vertical. Karl stă pe un scaun, tot în negru, cu o față atât de voinică, maxilare grea, cap deprimat. Dar există o oarecare ciudățenie: fragilitate în ipostaza lui și, în general, este oarecum plat, dispărând. În formă pare a fi desenat solemn, dar în esență este foarte alarmant și foarte dureros. Acest peisaj gri: un drum spălat de ploaie, copaci căzuți, în depărtare o căsuță sau colibă. Peisaj uimitor vizibil prin deschiderea coloanei. Un contrast neașteptat între solemnitatea portretului și starea foarte ciudată, nervoasă a lui Karl, care nu corespunde deloc cu poziția sa. Și acesta s-a dovedit a fi și un moment profetic. Ce sa întâmplat aici?



Practic, totul este scris într-o singură culoare, există un covor roșu sau un covor - o combinație de roșu și negru. O tapiserie, o coloană, dar nu este clar: fereastra nu este o fereastră, galeria nu este o galerie și acest peisaj neclar. Cabana stă în picioare și totul este gri și plictisitor, ca în pânzele ulterioare ale lui Levitan. Cu adevărat săraca Rusia. Aceeași murdărie, toamnă, nespălată, neîngrijită, ciudată. Dar Carol al V-lea a spus mereu că Soarele nu apune niciodată în țara lui. Are Spania, Flandra în buzunar, este Împăratul întregului Imperiu Roman de Apus. Toată lumea! Plus coloniile care lucrau și transportau mărfuri cu vaporul cu aburi. Mișcare uriașă de pirați. Și astfel de culori gri în portret. Cum s-a simțit pe lumea asta? Deci ce crezi? Într-o bună zi, Karl întocmește un testament în care își împarte imperiul în două părți. El lasă o parte, care include Spania, coloniile și Flandra, fiului său, Filip al II-lea, iar partea vest-europeană a imperiului îi lasă unchiului său, Maximilian. Nimeni nu a făcut asta vreodată. A fost primul și singurul care a abdicat pe neașteptate de la tron. De ce se comportă așa? Pentru ca după moartea lui să nu mai fie conflict civil. Îi era frică de un război între unchiul său și fiul său, pentru că îi cunoștea foarte bine pe amândoi. Ce urmează? Și apoi își aranjează singur înmormântarea și, stând la fereastră, îl privește îngropat. După ce s-a asigurat că înmormântarea a fost făcută la cel mai înalt standard, a mers imediat la mănăstire și a luat jurămintele monahale. Locuiește și lucrează acolo de ceva vreme.

Elevi:Și-a dat Papa acordul pentru asta?

Volkova:Și nu l-a întrebat. A murit pentru toată lumea. Nici nu ar îndrăzni să scoată un sunet.

Elevi: Ce făcea el la mănăstire?

Volkova: A cultivat flori și a făcut grădină. A devenit grădinar. Vom reveni la el din nou când vorbim despre Olanda. Nu este clar dacă peisajul lui Titian a avut un asemenea efect asupra lui sau dacă Tizian, fiind un om de geniu, a văzut în fereastră ceva ce nimeni nu văzuse vreodată, nici măcar Charles însuși. O fereastră este întotdeauna o fereastră către viitor. Nu stiu.

Lucrările lui Tizian trebuie văzute. O reproducere este foarte diferită de original, deoarece acesta din urmă este cel mai rafinat și complex tablou care poate fi din lume. Din punct de vedere al artei sau a încărcăturii pe care arta o poate prelua sau a informațiilor pe care ni le poate oferi un pictor. El, ca și Velasquiz, este artistul numărul unu. O persoană descrie acel timp în alfabetul complet al timpului său. Cum altfel poate o persoană care trăiește în interiorul timpului să-l descrie din exterior? Este prosper, este tratat cu amabilitate, este primul om al Veneției, egal cu Papa, egal cu Carol, iar oamenii care locuiau lângă el știau asta, pentru că cu pensulele lui le dădea nemurirea. Ei bine, cine are nevoie să se vorbească despre Karl în fiecare zi?! Așa se spune pentru că i-a înmânat periile artistului. Numărul de excursii pe care le fac, cu atât vorbesc mai mult despre asta. După cum a scris Bulgakov în „Maestrul și Margareta”: „Veți fi amintit și ei își vor aminti și de mine”. Cine altcineva are nevoie de Pontiu Pilat? Și astfel, în final, ei merg unul lângă altul pe calea lunară. De aceea, Ahmatova a spus: „Poetul are întotdeauna dreptate”. Această frază îi aparține.

Iar artistul are întotdeauna dreptate. Și în acele vremuri îndepărtate, Medicii au înțeles cine era Michelangelo. Și Iulius al II-lea a înțeles asta. Și Karl a înțeles cine era Titian. Un scriitor are nevoie de un cititor, un teatru are nevoie de un spectator, iar un artist are nevoie de caracter și apreciere. Abia atunci totul merge bine. Și îl vei putea scrie pe Carol al V-lea exact așa și nu altfel. Sau Papa Paul al III-lea și o va accepta. Și dacă nu există cititor și privitor, dacă există doar Glazunov, în fața căruia stă Brejnev, atunci nu va fi nimic. După cum a spus eroul lui Brecht, care l-a învățat pe Arthur actoria: „Pot să-ți fac orice Bismarck! Spune-mi doar de ce Bismarck ai nevoie.” Și își doresc mereu asta și asta. E clar că sunt idioți. Și întrebi dacă a acceptat. Și de aceea am acceptat-o. Scara este definită, la fel ca epoca. Tizian nu există în vid. Nu există Shakespeare în vid. Totul ar trebui să fie la nivel. Trebuie să existe un mediu pentru individ. Timp istoric, încărcat cu un anumit nivel de personaje și manifestări. Istorie și creații. Ei înșiși au fost creatori. Și deși aici lucrează o mulțime de componente, nimeni nu a reușit vreodată să scrie ca Tițian. Pur și simplu prin înțelegerea formei și a vorbirii, în acest caz cu Tițian, pentru prima dată culoarea nu este o construcție, ca la Rafael, ci culoarea devine o formă psihologică și dramatică. Iată un lucru interesant. Adică pictura devine conținut.

Să luăm același „Portret ecvestru” al lui Carol al V-lea în Prado, care este atârnat într-un mod foarte interesant. Când stai în fața scărilor care duc la etajul doi, el atârnă chiar în fața ta. Ce cuvinte pot descrie acest șoc? Imaginea este incredibilă! Dar cunosc foarte bine poza asta. Persoana care se află în interiorul poveștii. Două puncte se intersectează în el: interior și exterior. Tizian, un trăitor contemporan la acea vreme, l-a descris pe acest comandant cu intuiția sa profetică drept Călărețul morții. Și nimic mai mult. Mare comandant, marele rege, calul negru, iarăși culoarea aceea roșie, culoarea stacojie a sângelui istoriei sângeroase: pe suliță, pe față, pe armură, pe acele pene de struț vopsite care au intrat la modă pe atunci. Apus, cenuşă şi sânge. Nu răsăritul, ci apusul. El scrie pe fundalul unui apus de soare roșu cenușă. Întregul cer este cenuşă şi sânge. Așa că stai în fața tabloului și înțelegi că în fața ta nu este doar portretul unei persoane, ci un fel de înțelegere globală, la care Picasso se va ridica abia în secolul al XX-lea. Și, desigur, vin multe în pictură cu el, inclusiv de la Giorgiona. Aceasta este o întreagă mișcare în artă, un întreg gen, unul nou - genul corpului gol, care combină o mulțime de lucruri. Și repet că, totuși, nu vei putea niciodată să vezi și să înțelegi totul complet... Ce este asta, ce este? Ce fel de domnișoară este aceasta?


„Portretul ecvestru” al lui Carol al V-lea


Elevi: Este Manet! Olimpia!

Volkova: Ei bine, desigur. Desigur. Ce zici despre asta? Are asta ceva de-a face cu Titian?

„Olympia” de Edouard Manet este începutul picturii europene. Nu arte frumoase, și pictură. Pe ea a înfățișat o feministă - o femeie adevărată, nouă a acelei vremuri, care putea poza goală în fața artistei - ducesa Isabella Testa. Acesta a fost o perioadă în care curtezanele conduceau lumea. Și ea este ducesa de Urbino, parcă ne-ar spune: „Nu sunt doar o femeie foarte modernă, dar este o mare onoare pentru mine să fiu curtezană”.


Olimpia – Manet


Curtezanele de atunci nu erau femei din suburbiile murdare. Nu! Erau hetere: deștepți, educați, capabili să se prezinte, dând un impuls societății. Cel mai mare impuls! Aveau propriile lor cluburi sau saloane unde își primeau oaspeții.

Victorine Meran a fost o curtezană celebră și iubita lui Manet.

A scris adesea această femeie dezinhibată, iar în paralel cu ea erau minunatele romane ale lui Zola, Balzac, George Sand și ceea ce ei descriau nu erau doar morale, nu doar istorie în literatură, ci instrumente înalte, foarte sensibile ale vremii. Du-te înapoi pentru a merge înainte! Mane a spus absolut lamentabil: „Mă duc acolo să ies acolo. Mă duc înapoi să arunc arta înainte!” Manet îl urmează pe Titian. De ce îl urmărește? Pentru că acesta este punctul din care pleacă trenurile. Se întoarce în acest punct pentru a merge înainte. Așa cum a spus minunatul Hlebnikov: „Pentru a merge mai departe spre partea superioară, trebuie să ne ridicăm la gură”. Adică până la izvorul unde curge râul.


Test Meran


Cred că înțelegi totul.



Nimeni nu știa secretele lui Titian. Adică știau ce scrie, dar nu puteau înțelege ce se întâmplă acolo. Iar umbrele lui sunt un adevărat mister. Pânză grunduită o anumită culoare, care este deja translucid. Și aceasta este o magie extraordinară. Cu vârsta, Titian a scris din ce în ce mai bine. Când am văzut prima dată „Sf. Sebastian”, trebuie să spun sincer, nu am putut înțelege cum a fost scris și până acum nimeni nu a înțeles-o.



Când stai la o anumită distanță de pictură, înțelegi ce este pictat, dar când te apropii, nu poți vedea nimic - este doar o mizerie. Doar o mizerie pitorească. A frământat vopseaua cu mâna, pe ea sunt vizibile urme ale degetelor. Și acest Sebastian este foarte diferit de tot ce a fost scris înainte. Aici lumea se cufundă în haos și vopseaua cu care pictează este de aceeași culoare.

Vedeți pictură abstractă pentru că culoarea tabloului nu iese în evidență. El însuși este conținutul. Acesta este un strigăt uimitor și este un strigăt de gol, dar să nu credeți că toate acestea sunt întâmplătoare. A doua jumătate a secolului al XVI-lea, sfârșitul secolului al XVI-lea – a fost o perioadă specială. Pe de o parte, acesta a fost cel mai mare punct în dezvoltarea umanismului artei și a geniului și științei europene, pentru că au existat Galileo și Bruno. Habar nu ai cine a fost Giordano Bruno! Și el a fost primul care a fost implicat în Groenlanda și în cercetarea acesteia, care a spus ce se apropie știința abia acum. Era foarte îngâmfat. Pe de altă parte, puritanismul, Inchiziția, Ordinul Isuitilor - toate acestea funcționau deja în acel încordat și complex. stare creativă. Comunitatea internațională se cristalizează. Și aș spune: o comunitate de intelectuali de stânga. Ce interesant, aproape toți erau împotriva Reformei. Vă puteți imagina? Toți erau împotriva lui Martin Luther. Shakespeare a fost cu siguranță un catolic și un susținător al partidului Stuart. Acest lucru este dincolo de orice îndoială. Nici măcar un anglican, ci un susținător al partidului Stuart și un catolic.

Dürer, care provenea din primul oraș protestant și complet filistin Nürnberg, a fost cel mai înflăcărat oponent al lui Martin Luther, iar când acesta a murit, Willy Byte Prințul Geimer (?), care a corespondat cu foarte marele său prieten geometrul Chertog, a scris: „Martin Luther și-a ucis propria soție. El nu a murit propria moarte - ei sunt responsabili pentru moartea lui.”

Același lucru este valabil și pentru Michelangelo. Să nu credeți că au trăit fără să știe nimic unul despre celălalt. Făceau parte dintr-o comunitate foarte interesantă, condusă de Jan van Achen și pe care-l cunoaștem ca Hieronymus Bosch. Și el era șeful acestui cerc de oameni care se numeau Adamiți și erau apocaliptici. Nu și-au făcut reclamă și am aflat despre ei relativ recent, dar Bulgakov știa despre ei. Când l-am citit pe Bosch și nu a scris nimic altceva în afară de „Apocalipsa” și „Judecata de Apoi”, atunci îți voi citi Bulgakov. Are o mulțime de citate din Bosch. Și tocmai pe teoria adamită este scrisă „Inimă de câine” și o voi dovedi literal. Imaginea artei și a vieții este destul de complexă.

Știți că la sfârșitul vieții lui Michelangelo, în aceeași capelă sectină, unde a pictat tavanul, a scris „Judecata de Apoi” pe perete? Și toți au început să scrie „Judecata de Apoi”. Au început să scrie un final tragic, o apocalipsă. Nu Adorarea Magilor, ci apocalipsa. Erau conștienți de asta. Au stabilit data când a început. Era un anumit grup de oameni. Dar ce nume! Durer, Leonardo - totul. Centrul acestei comunități era în Țările de Jos. Ei au scris mesaje papilor. Noi suntem cei care trăim în ignoranță și nu știm ce se întâmpla în lume, pentru că istoria pe care o citim este scrisă fie cu ignoranță, fie ideologic. Când am avut acces la literatura reală, am fost uimit de măsura în care, pe de o parte, în înțelegerea noastră, istoria este liniară și, pe de altă parte, aplatizată. Dar ea nu este așa. Orice punct din istorie este sferic, iar secolul al XVI-lea este un cristal cu un număr mare de fețe. Există multe tendințe acolo. Și pentru acest grup special de oameni, Judecata de Apoi a sosit deja.

De ce au crezut ei așa? Au argumentat acest lucru pentru un motiv. Acești oameni erau uniți și știau unii despre dispozițiile celuilalt. În cartea lui Vasarius despre viețile artiștilor italieni, există un singur artist care nu este italian - acesta este Dürer, care a trăit permanent în Italia. Uneori acasă, dar mai ales în Italia, unde se simțea bine. A călătorit acasă pentru afaceri, unde a lăsat jurnal de călătorie, note etc., dar era profund legat de comunitate. În timp au trăit unul față de celălalt cu un mic decalaj, dar în ordinea ideilor, a modului de viață, a observației foarte amare și a dezamăgirii care le-a trecut, sunt percepuți de contemporanii direcți.

Vreau să spun că vremea lui Tizian, la fel ca și vremea lui Shakespeare, este o perioadă a personajelor foarte puternice și a formelor mărețe. Trebuia să fie Titian sau Shakespeare pentru a identifica, exprima și lăsa toate aceste forme în seama noastră.

Iată o altă lucrare a lui Tizian care este atârnată în Luvru - „Trei epoci”. Cine a făcut o copie directă a acestuia? Salvador Dali. Tizian este preocupat de întrebările legate de timp și o arată. Aici stă un tânăr, iar în spatele lui este sfârșitul lui.


Trei vârste


Elevi: De ce sunt desenate de la dreapta la stânga?

Volkova: Ce vrei să spui, de la dreapta la stânga?

Elevi: Ei bine, se pare că este obișnuit în Europa...

Volkova: Oh, ce specialiști avem (râsete)!

Elevi: De aceea intreb.


Trei vârste – Dali


Volkova:Și nu sunt un expert. Pentru că asta a scris el. Din momentul răsăritului până la apus. În est soarele răsare, iar în vest apune. Deci, este o imagine destul de suprarealistă. Ce este interesant la asta? Vârcolac! Vârcolac zoomorf, care este foarte puternic la Goya. Dar nu trăim în secolul al XIX-lea. Dar de unde l-a luat Tizian? Simte oamenii și scrie vârcolaci. Prin urmare, când scrie Aretino, arată ca un lup, iar Paul al III-lea arată ca un leneș bătrân și ponosit. El pictează oameni de parcă ar fi creaturi pe jumătate întruchipate, cu instincte de prădător, de vânătoare, nemiloase, imorale. Pe cine crezi că vede acest tânăr minunat?

Elevi: Un câine! Lup! Un urs!

Volkova: Predator! Colți, mustață. Nu vezi că este atât de fermecător și că fața lui este strălucitoare. Acest lucru este înșelător. Un prădător tânăr, puternic, cu colți și sete de luptă între prădători! Primul său este un leu care atinge apogeul. Un lup bătrân este, desigur, un lucru nemaiauzit. Nu există trei ipostaze ale Tatălui, Fiului și Duhului Sfânt, ca în om. El descifrează diferite aspecte ale vârstei și ne arată principii prădătoare. Nu e de mirare că Dali a făcut o copie. El, ca și Freud, se scufundă în principiul htonic. Și din moment ce o fiară prădătoare stă în adâncul htonicilor, nu se poate face nimic. Nici iluminarea, nici cuvinte nobile, nici acțiunile demonstrative nu vor face nimic. Puterea, dorinta de putere, nesatibilitatea, repetarea aceluiasi lucru fara concluzii, fara lectii! Și când a început această poveste uimitoare schismă bisericească sau persecuția ereticilor în Evul Mediu, atunci oamenii nu fuseseră încă arși pe rug. Au început să fie arse în secolul al XVI-lea. Bruno a fost ars la începutul secolelor al XVI-lea și al XVII-lea. În 1600. Oamenii au fost arși în secolul al XVII-lea. Dar nu în al 12-lea. Au fost epidemii, dar nu au fost arse. Ars de Inchiziție. A fost creat pentru a arde. Shakespeare, Tizian, Bosch, Durer au abandonat Contrareforma, considerând-o rea și începutul drumului către apocalipsă. Le era groaznic de frică de Biblia lui Luther – că acum fiecare va veni și va scrie ce vrea. Unul dintre ultimele lucrari„Patru apostoli” a lui Dürer, care este atârnată la München, lângă Carol al V-lea.


Patru Apostoli


Și în spatele tuturor acestor apostoli a scris cuvintele lor și a prezentat acest tablou orașului Nürnberg: „Cetățenilor mei, compatrioților mei. Teme-te de profeții mincinoși! Aceasta nu însemna că erau primitivi în religia lor. Erau oameni ai unui timp nou. Și Tițian știa că în interiorul unei persoane nu există niciun înger și că iubirea nu poate deveni o transformare angelica. Știa că înăuntru trăia un vis htonic, fără milă, care predetermina cercul și sfârșitul lui.

Știi, îmi iubesc cu adevărat profesia și asta nu este un secret pentru tine. Eu cred acum cu totul altfel decât acum 20 de ani, pentru că am început să privesc lucrurile altfel. Cel mai important lucru este fluxul de informații. Când mă uit la imagini, nu numai că mă bucur de ele - de fiecare dată când fac o scufundare în adâncime, ceea ce poate duce la boală de decompresie, dar această stare transmite o anumită imagine a lumii, al cărei conținut rămâne de înțeles și apreciat. . Îți amintești cum grecii antici și-au evaluat contemporanii? Printr-un concurs. Toți cei care nu au ocupat primul loc și-au zdrobit munca în praf, pentru că o singură opțiune are dreptul să existe - cea mai bună. Adevărat. Există un număr mare de artiști foarte răi în jurul nostru. Poate că acest lucru nu este atât de dramatic pentru cultură dacă există o scară, dar atunci când nivelul lui Tizian, Bosch, Dürer, Shakespeare dispare sau este puțin sau distorsionat, atunci vine sfârșitul lumii. Am devenit și un apocaliptic, nu mai rău decât Bosch. Nu trăiesc într-o stare de opinie, dar sunt foarte surprins de cât de bine știau ei totul pe atunci. Ei știau despre natura apocalipsei și despre ce o provoacă. Și au enumerat totul în mesajele lor către papi. Și l-au arătat în imagini.

Ei bine, nu ești obosit? Mi-e îngrozitor de teamă că 4 ore ar putea să nu fie suficiente pentru mine și nu vor fi suficiente, așa că vreau ca teatrul Shakespeare să înceapă să vă citească chiar acum. Am luat cu mine tot felul de poze în care îi vei vedea pe contemporanii. Știi, există artiști care sunt foarte greu de citit. Tizian este greu de citit. Nu se încadrează în ordinea cuvintelor. Nu se potrivește nimănui. Acest lucru nu este în propria mea apărare, ci pentru că, într-adevăr, există astfel de artiști sau scriitori despre care este ușor să vorbești sau să scrii, dar sunt aceia care se bagă mai ușor într-un laț. Pentru că există un lucru misterios - primești o mare uriașă de informații, dar nu poți spune nimic. Îmi place foarte mult o zicală: „Nu cea mai frumoasă femeie din lume nu poate oferi mai mult decât are.” La fel este și aici, când ai de-a face cu o persoană genială și, cufundându-te din ce în ce mai mult în el, până la urmă înțelegi că asta este! – a sosit momentul bolii de decompresie și nu există informații. Și acesta este Rembrandt sau Titian, pentru care informația vine prin dramaturgia culorii. Cod de culoare care trece prin compoziție.

Atenţie! Acesta este un fragment introductiv al cărții.

Dacă ți-a plăcut începutul cărții, atunci versiunea completă poate fi achiziționat de la partenerul nostru - distribuitor de conținut legal, SRL litri.

Prelegeri despre artă susținute de profesorul Paola Volkova


Paola Dmitrievna Volkova

© Paola Dmitrievna Volkova, 2017


ISBN 978-5-4485-5250-2

Creat în sistemul de publicare intelectuală Ridero

Prefaţă

Țineți în mână prima carte, care cuprinde prelegeri inedite ale profesorului de istoria artei Paola Dmitrievna Volkova, susținute de aceasta la Cursurile superioare de regizori și scenariști în perioada 2011-2012.


Volkova Paola Dmitrievna


Cei care au avut norocul să participe la prelegerile acestei femei uimitoare nu îi vor uita niciodată.

Paola Dmitrievna este o elevă a oamenilor mari, printre care s-au numărat Lev Gumilev și Merab Mamardashvili. Ea nu numai că a predat la VGIK și la Cursurile superioare pentru regizori și scenariști, dar a fost și cel mai important expert mondial în munca lui Tarkovsky. Paola Volkova nu numai că a ținut prelegeri, ci și a scris scenarii, articole, cărți, a organizat expoziții, a revizuit și a găzduit programe de televiziune despre artă.

Această femeie extraordinară nu a fost doar o profesoară genială, ci și o mare povestitoare. Prin cărțile, prelegerile și doar conversațiile sale, ea a insuflat studenților și ascultătorilor săi un sentiment de frumusețe.

Paola Dmitrievna a fost comparată cu Biblioteca din Alexandria, iar prelegerile ei au devenit o revelație nu numai pentru oamenii obișnuiți, ci și pentru profesioniști.

În operele de artă, ea știa să vadă ceea ce este de obicei ascuns privirilor indiscrete, cunoștea acel limbaj foarte secret al simbolurilor și putea explica în cuvintele cele mai simple ce ascunde cutare sau cutare capodopera. Era o urmăritoare, un ghid-traducător între epoci.

Profesorul Volkova nu era doar un depozit de cunoștințe, era o femeie mistică - o femeie fără vârstă. Poveștile ei despre Grecia antică, cultura Cretei, filosofia Chinei, marii maeștri, creațiile și destinele lor erau atât de realiste și pline de cele mai mici detalii, încât sugerau involuntar ideea că ea însăși nu numai că a trăit în acele vremuri, ci și i-a cunoscut personal pe toți cei despre care a fost spusă povestea.

Și acum, după plecarea ei, ai o mare ocazie să te cufundați în acea lume a artei, pe care, poate, nici nu ați bănuit-o și, ca un călător rătăcitor însetat, să beți din cea mai pură fântână a cunoașterii.

Prelegeri susținute la Cursurile superioare pentru regizori și scenariști

Prelegerea nr. 1. Școala Florentină – Titian – Piatigorsky – Byron – Shakespeare

Volkova: Mă uit la rândurile subțiri...

Elevi: Nimic, dar să luăm calitatea.

Volkova: ce imi pasa? Nu am nevoie de asta. Ai nevoie de asta.

Elevi: Le vom spune totul.

Volkova: Aşa. Avem un subiect foarte important pe care l-am început data trecută. Dacă vă amintiți, vorbeam despre Titian. Ascultă, vreau să te întreb asta: îți amintești că Raphael era elev la școala florentină?

Elevi: Da!

Volkova: Era un geniu și geniul lui a avut un efect foarte interesant. Nu am văzut niciodată un artist mai perfect. El este Absolutul! Când te uiți la lucrurile lui, începi să le înțelegi puritatea, plasticitatea și culoarea. O fuziune absolută a lui Platon și Aristotel. În picturile sale există tocmai principiul aristotelic, intelectualismul aristotelic și conceptualitatea aristoteliană, mergând pe lângă înaltul principiu platonic, cu atâta perfecțiune a armoniei. Nu întâmplător, în „Școala din Atena”, sub arc, el i-a pictat pe Platon și Aristotel mergând unul lângă celălalt, pentru că nu există nici un decalaj intern în acești oameni.


scoala din Atena


Școala florentină își are originea în dramaturgia giottiană, unde există căutarea unui anumit spațiu și atitudine față de filosofare. Aș spune chiar și filozofare poetică. Dar venețienii sunt o școală complet diferită. În ceea ce privește această școală, am luat această piesă a lui Giorgione „Madona din Castelfranco”, unde Sfântul Gheorghe seamănă mai mult cu Ioana d’Arc a lui Voltaire.

Uită-te la ea. Florentinii nu puteau picta astfel pe Madona. Uite, e ocupată cu ea însăși. O astfel de izolare spirituală. Există momente în această imagine care cu siguranță nu s-au mai întâmplat până acum. Aceasta este o reflecție. Lucruri care au legătură cu reflecția. Artistul dă niște momente complexe mișcării interne, dar nu o direcție psihologică.


Madona din Castelfranco


Dacă rezumăm ceea ce știm despre venețieni și despre Tițian, atunci putem spune că într-o lume care surprinde Veneția cu viața ei deosebită, cu productivitatea ei socială complexă și turbulențele istorice, se poate vedea și simți încărcătura internă a unui sistem care este gata să se epuizeze. Priviți acest portret al lui Tițian care atârnă în galeria Palatului Pitti.


Portretul unui bărbat necunoscut cu ochi gri


Dar mai întâi, în compania noastră intimă, trebuie să recunosc că am fost cândva îndrăgostită de acest tovarăș din imagine. De fapt, m-am îndrăgostit de tablouri de două ori. Prima dată când m-am îndrăgostit a fost ca o școală. Aveam un album Ermitage dinainte de război la noi acasă și avea un portret al unui tânăr în halat, pictat de Van Dyck. L-a pictat pe tânărul lord Philip Warren, care avea aceeași vârstă cu mine. Și am fost atât de fascinat de semenul meu, încât, desigur, mi-am imaginat imediat prietenia noastră minunată cu el. Și știi, m-a salvat de băieții din curte - erau vulgari, luptători, dar aici avem relații atât de înalte.

Dar, din păcate, eu am crescut și el nu a făcut-o. Acesta a fost singurul motiv pentru care ne-am despărțit (râsete).Și a doua mea dragoste s-a întâmplat când eram student în anul 2. M-am îndrăgostit de portretul unui bărbat necunoscut cu ochi gri. Nu am fost indiferenți unul față de celălalt mult timp. Sper că aprobi alegerea mea?

Elevi: Fără îndoială!

Volkova:În acest caz, ne vom muta într-o zonă care este foarte interesantă pentru relația noastră cu arta sau operele de artă. Îți amintești cum am încheiat ultima lecție? Am spus că suprafața picturală a tabloului în sine devine valoroasă în sine. El însuși este deja conținutul imaginii. Și Tițian a avut întotdeauna această valoare intrinsecă absolut pitorească. Era un geniu! Ce se va întâmpla cu picturile lui dacă eliminați stratul pictural și lăsați doar pictura de bază? Nimic. Pictura lui va rămâne un tablou. Va rămâne în continuare o operă de artă. Din interior. La nivel intracelular, baza, aceasta este ceea ce face un pictor un artist genial. Și în exterior se va transforma într-un tablou de Kondinsky.

Este foarte greu să-l compari pe Titian cu oricine altcineva. El este progresist. Uite cum, prin umbra care cade pe peretele de culoare argintie, leagă pitoresc acest portret cu spațiul în care locuiește această persoană. Nici nu-ți poți imagina cât de greu este să scrii. O combinație atât de uimitoare a unui spațiu ușor, argintiu-vibrant, această haină de blană pe care o poartă, un fel de dantelă, păr roșcat și ochi foarte deschisi. Vibrația gri-albastru a atmosferei.

Are un tablou care atârnă... Nu-mi amintesc unde, nici la Londra, nici la Luvru. Nu, cu siguranță nu la Luvru, la National Gallery din Londra. Deci, în această poză este o femeie care stă cu un copil în brațe. Și când te uiți la el, ți se pare că acest tablou a venit aici din întâmplare, pentru că pur și simplu este imposibil să-ți imaginezi că aceasta este opera lui Tițian. A fost pictat într-o manieră care amintește de ceva dintre Claude Monet și Pissarro - folosind tehnica puntillismului, care creează chiar acest tremur al întregului spațiu al tabloului. Te apropii și nu-ți crezi ochilor. Acolo nu mai puteți vedea călcâiele sau fața copilului, dar un singur lucru este vizibil - l-a depășit pe Rembrandt în libertate. Nu este o coincidență că Vasily Kondinsky a spus: „Există doar doi artiști în arta mondială pe care îi pot numi pictori abstracti. Nu non-obiective - sunt obiective, dar abstracte. Aceștia sunt Titian și Rembrandt.” De ce? Pentru că, dacă înaintea lor toată pictura se comporta ca pictură colorând un obiect, atunci Tizian a inclus momentul colorării, momentul picturii ca culoare independent de obiect. Ca, de exemplu, „Sf. Sebastian” în Schit. Când te apropii foarte mult de ea, nu poți vedea decât haos pitoresc.

Există un tablou pe care tu, stând în fața pânzei, îl poți privi la nesfârșit. Este foarte greu de transmis în cuvinte, deoarece există o lectură impresionistă complet arbitrară, citire a personajelor sau personalităților pe care le scrie. Și nu contează la cine te uiți: Piero della Francesco sau Ducele Federico da Montefeltro.

Am urmărit multe prelegeri și cursuri despre istoria artei din întreaga lume. Nu există nimic mai bun decât Paola Volkova. Nu este doar o specialistă de o enormă erudiție și competență, dar, important, iubește sincer arta și nu o abordează într-un mod pur formal.

Paola Volkova Convorbiri despre artă

În primăvara și vara anului 2012 în Universitatea Deschisă Skolkovo Paola Dmitrievna Volkova a susținut o serie de prelegeri nume comun « Conversații despre artă" Lume artă Grecia și Roma dobândesc dintr-o dată integritate și claritate - pietricelele unui mozaic complex de cunoștințe despre antichitate se încadrează într-un întreg. Marii filozofi, dramaturgi și sculptori ai Greciei devin foarte apropiați, doar întindeți-vă mâna... Imagini familiare și ușor uitate - olimpiadele, efebe, arhitectură, pictura în vază, sculpturi, sărbători - prind brusc viață și încep să vorbească limba lui Eschil. Și toată lumea Hellas este la îndemâna ta.

Seria de programe „Podul peste prăpastie”

Seria de programe de televiziune „Podul peste prăpastie” este proiectul autoarei Paolei Volkova, dedicat capodoperelor artei plastice. „Ideea unui astfel de program de televiziune a apărut destul de neașteptat”, a spus Paola Dmitrievna. – Pregăteam un multi-volum munca stiintifica despre istoria artei europene. Cartea are exact același titlu - „Podul peste prăpastie”. S-a bazat pe prelegeri pe care le-am ținut studenților mei mulți ani la Cursurile Superioare pentru Scenari și Regizori. Dar s-a întâmplat ca unul dintre elevii mei, Andrei Zaitsev, să aibă ideea de a transforma acest curs de prelegeri într-un program de televiziune și de a difuza conversațiile. Numele atât pentru carte, cât și pentru program nu a fost ales întâmplător, deoarece imaginea podului este o imagine a culturii mondiale, fără de care nu am fi existat. Serialul a primit un premiu de la „Clubul de presă de televiziune” pe baza rezultatelor sezonului de televiziune 2012/2013 „pentru o prezentare amplă a istoriei picturii mondiale ca un mega-complot cu mai multe fațete”.

Despre Paola Volkova

Paola Volkova, alias Ola Odesskaya, a fost o creatură extraordinară.
Fără excepție, toți cei care au întâlnit-o măcar o dată sunt de acord cu asta.
Ea a creat un mit din viața ei,
luând cu noi majoritatea secretelor, lăsându-ne să decidem,
ce s-a întâmplat cu adevărat cu ea
și ceea ce era doar rodul imaginației ei ireprimabile.


Portretul Paolei Volkova. Artistul Vladimir Weisberg
A fost imposibil să ajungi la cursul ei de la VGIK despre istoria artei, iar studenții s-au agățat de fiecare cuvânt al Paolei Dmitrievna. Directorul Vadim Yusupovich Abdrashitov a vorbit despre aceste clase după cum urmează: „Ea a vorbit despre ce sunt arta și cultura pentru viața umană, că acesta nu este doar elementul central al unor cheltuieli bugetare. Este ca și cum aceasta este viața însăși.” Expertul în film Kirill Emilievich Razlogov a spus: „Paola Dmitrievna a fost o legendă. O legendă la VGIK, unde a predat, o legendă a perestroikei, când a intrat în întinderea largă a culturii noastre, o legendă când a luptat pentru memoria lui Tarkovsky, pe care îl cunoștea îndeaproape, în jurul căruia moștenirea au izbucnit lupte serioase. ” Fotograful, jurnalistul și scriitorul Yuri Mikhailovici Rost este sigur că aceasta este „o femeie absolut remarcabilă, o persoană care a oferit viata culturala unui număr imens de regizori, un om cu cunoștințe și farmec enciclopedic...” Regizorul Alexander Naumovich Mitta asigură: „Când vorbea despre artă, părea să se transforme într-un fel de diamant. Toată lumea o iubea, știi. În fiecare afacere există cineva mai bun decât alții. Generalul acestei chestiuni. A fost generală în domeniul ei.” Paola Volkova i-a cunoscut pe toți marii artiști, actori, regizori - pe toți creatorii acestei sau acele epoci, de parcă ar fi trăit în acea vreme, și ea însăși era muza lor. Și au crezut-o că totul este așa.